Il Portale del Violino

Per l’80° stagione I.U.C. presso l’Aula Magna Sapienza, si è tenuto lo scorso 1° Marzo un concerto molto interessante del Quartetto di Cremona dedicato all’Arte della Fuga BWV 1080 e allo studio del contrappunto di J. S. Bach.

La novità è che la partitura originale non avendo indicazioni specifiche sull’esecuzione per quello che riguarda gli strumenti o le voci, è che contrariamente a ciò che si fa di solito, il Quartetto di Cremona ha deciso di affrontare quest’opera bachiana con il quartetto d’archi, riservando una sorta di felice contaminazione al flauto dolce, suonato dal violista Simone Gramaglia, che in quest’occasione suona anche la viola tenore.

E poi Paolo Andreoli, che si esibisce al violino e alla viola contralto, fanno sì che per un quartetto d’archi classico, vengano suonati ben 7 strumenti. A parte la prova di bravura, pure consentita da un’esperienza cameristica lunga 25 anni, il risultato è stato a dir poco sorprendente sono rimasto subito attratto dal suono. Sembra una banalità, ma spesso distinguere il suono dalla musica non è cosa facile, perché la bellezza del suono non è mai scontata, e Bach è soprattutto bellezza del suono, perché se questo aspetto venisse meno si perderebbe gran parte della delicata filigrana bachiana.

La padronanza del suono è come il coraggio secondo Don Abbondio: se non ce l’hai, non è che te la puoi far venire. Certamente gli anni di studio e di esperienza sono importanti, ma il buon suono si esprime sempre con semplicità, mai attraverso un pensiero razionale, la ricerca del musicista attraverso Bach è quella dell’essenzialità. Non c’è bisogno di effetti speciali.

Ma soprattutto il Quartetto di Cremona sembra essersi concesso la libertà di giocare leggero con il contrappunto bachiano, così che anche se non sei proprio ben documentato sulle ragioni musicologiche di Bach, ecco che subito riesci a cogliere il senso della “Fuga” e anche quello del “contrappunto”, non solo perché nei ventuno pezzi eseguiti sono figurazioni che ricorrono puntualmente, ma si riesce perfino a cogliere una dimensione di gioco come parte naturale dell’astrazione musicale bachiana.

Uno degli aspetti che mi ha colpito è vedere comprese nel quartetto ben due viole, di cui una contralto, una tenore, che unitamente al violoncello formano una sezione di bassi di indiscutibile potenza e presenza, e che pure è risultata ben nitida e leggera. E’ vero che il Quartetto di Cremona abbia dovuto lavorare molto su questo pezzo particolare di repertorio non propriamente cameristico, ma infine la fatica è stata premiata perché non si sono avvertite da parte dei musicisti libertà eccessive e fastidiosi adattamenti tali da rendere irriconoscibile la musica di Bach, anzi, a mio modesto parere sembra proprio che Bach ne sia uscito benissimo.

Altra bella sorpresa di questo concerto, è vedere esibirsi Simone Gramaglia al flauto dolce, cosa che io personalmente non mi sarei mai aspettata vista la sua indiscutibile natura di violista, e che pure ha rivelato un sorprendente talento naturale esprimersi con immediatezza e semplicità tramite questo piccolo strumento a fiato.

L’Aula Magna della Sapienza era realmente gremita di pubblico, che ha apprezzato moltissimo la proposta musicale del Quartetto di Cremona.

Mezz’ora circa prima del concerto, grazie alla disponibilità della I.U.C., ho intrattenuto il pubblico con le mie storie di liuteria, illustrando la genesi e la storia della viola contralto. Un ringraziamento particolare a Cristiano Gualco, primo violino del Quartetto di Cremona, che è intervenuto con spiegazioni circa i brani eseguiti in concerto.

Testo e foto di Claudio Rampini

Lo scorso 5 Novembre, per l’ottantesima stagione dell’Istituzione Universitaria dei Concerti I.U.C. presso l’Aula Magna Sapienza, si è tenuto un bellissimo ed originale concerto di Michael Barenboim accompagnato da Natalia Pegarkova al pianoforte, e Gilbert Nouno al live electronics per i brani di Boulez.

Ho gradito particolarmente i brani di Vieuxtemps e Ravel, rispettivamente per viola e pianoforte, e per violino e pianoforte, dove Barenboim ha rivelato fin da subito una grande attenzione all’esecuzione senza mai perdere di vista la bellezza del suono.

Si potrebbe definirla una “questione di carattere”, quella di Barenboim di non avere nessuna intenzione di sedurre il pubblico, ma non per scontrosità o tantomeno mancanza di rispetto, ma perché in fondo sia l’esecutore che il pubblico sono lì per ascoltare il pensiero musicale di un compositore, e niente altro.

Certamente il suono caldo della viola, uno strumento contemporaneo di area parigina su probabile modello Maggini, ha contribuito a riscaldare gli animi, confermando la disposizione più unica che rara di Barenboim, di essere un musicista di vedute molto ampie, perché passare da un repertorio classico ad uno di musica contemporanea non è mai facile, ed in questo credo che sia importante l’attenzione che il musicista ha sempre dedicato al repertorio cameristico.

Il tutto condito dalla presenza di un violino d’eccezione: uno Stradivari del 1708 ““Ex-Andrejeus”, in straordinarie condizioni di suono e di conservazione, e che pure ha dimostrato attraverso le abili mani di Barenboim di affrontare l’ostico repertorio contemporaneo senza, per così dire, battere ciglio.

Barenboim predilige le rarefatte atmosfere della musica contemporanea, ma questo non significa trascurare la letteratura musicale delle epoche passate, perché voler porre confini tra un passato e un futuro musicale solo da un punto di vista orecchiabile e melodico, e quindi di facilità di ascolto, risulta piuttosto pretestuoso, se non addirittura pregiudizievole nei confronti del repertorio contemporaneo.

In questo Barenboim sembra essere a suo perfetto agio, producendo il giusto suono con grande misura e un intimo trasporto emotivo. Se pensiamo a quello che un violino può fare, non possiamo non pensare ai divertimenti con cui Paganini intratteneva il suo pubblico eseguendo i versi degli animali, o addirittura vedere il violino usato dai clown dei circhi e produrre suoni improbabili ad accompagnare i gesti goffi del pagliaccio.

Il violino emette rumori molesti solo se è suonato male, per il resto produce solo suoni.

I suoni della musica di Boulez eseguita da Barenboim non sono né buffi e nemmeno divertenti, sono i respiri che accompagnano i nostri pensieri d’ogni giorno, laddove sembra trasparire una certa preoccupazione per nostro futuro. Altro che musica del futuro, quando è il futuro stesso ad essere in discussione!

Pregevole la tecnica esecutiva del live electronics di Gilbert Nouno nel creare echi e campionature di suono, così da conferire al suono del violino di Barenboim una straordinaria dimensione spaziale.

Testo e foto di Claudio Rampini

Ieri sera presso l’Aula Magna Sapienza di Roma, per la stagione IUC (Istituzione Universitaria dei Concerti), un concerto fuori programma del Quartetto di Cremona con musiche di Beethoven, Janáček, Mendelssohn (qui il programma completo del concerto).

Il Quartetto di Cremona dedica un ciclo di concerti alle opere della maturità dei grandi compositori, ma un dubbio che penso legittimo è proprio quello che riguarda il concetto di “maturità”: quella dei compositori o quella dei musicisti del Quartetto di Cremona?

Non è un quesito da poco, ma penso che ad un certo punto del loro percorso artistico il Quartetto di Cremona abbia percepito oggi ancor più del passato, di essere pronto ad esprimere il messaggio intimo e “segreto” dei grandi quartetti, e di poterlo fare con una semplicità vera e non ostentata, e al tempo stesso ricca e complessa, propria di chi ha passato la vita a studiare opere di repertorio, nel tentativo a me pare riuscito bene, di esprimere il pensiero di un compositore.

Perché la difficoltà in un programma di brani “maturi”, non è solo quella esecutiva, ma soprattutto quella di mantenere una sorta di tensione drammatica pur nella diversità degli spiriti e delle epoche di appartenenza dei compositori. Per questo io credo che la maturità dimostrata dal Quartetto di Cremona sia da associare alla padronanza, né rigida e né autoritaria, con cui hanno eseguito la loro musica.

Fatta la premessa, ora possiamo passare ad un argomento a me molto caro: il suono. Il Quartetto di Cremona ci ha abituato negli anni ad una dimensione che io definirei non professionale del suono. Nota bene: non sto dicendo che il Quartetto di Cremona non sia professionale, perché negli anni ci ha abituato a concerti sempre unici ed originali. Fare musica, vivere di rendita su uno standard magari alto, come purtroppo accade spesso in tutti gli ambiti dell’arte, non paga in termini di originalità e creatività. Il Quartetto di Cremona in questo senso è altro, e per questo io lo definisco “non professionale”, ed è ammirevole la loro capacità di tenere alta la tensione creativa attraverso il tempo.

L’impegno e il perdersi completamente nella musica si è percepito nettamente ieri sera e il pubblico ha capito benissimo la qualità della musica e del suono del Quartetto di Cremona, complice anche l’importante acquisizione da parte del violista Simone Gramaglia, una bellissima viola di Giovanni Paolo Maggini del 1625 che la Fondazione Pro Canale gli ha affidato.

E’ ben risaputo che il violista è il cardine su cui ruota un quartetto d’archi, e la personalità di Gramaglia insieme alla sua viola precedente, una Gioachino Torazzi del 1680, ha fatto molto non solo per non smentire l’assunto di cui sopra, ma io ritengo che sia dotato al tempo di importanti qualità solistiche.

Con la viola Maggini è quindi cambiato anche il suono del quartetto, che a mio parere è risultato più pieno e ricco di sfumature. A scanso di equivoci, qui non parliamo di una viola che “suona forte”, perché la Maggini è tutt’altro che un mostro che esprime bruta potenza, bensì uno strumento capace di una proiezione non comune del suono, percepibile nettamente anche nei “pianissimo” più sussurrati e delicati.

Quindi uno strumento capace di “cucire” e di tenere unita la complessa tessitura del repertorio cameristico, tanto più se moderno, laddove la viola spesso emerge sovrana a sottolineare un ruolo per niente ancillare rispetto al contesto musicale.

Realtà questa che troppo spesso non sembra essere tenuta presente nemmeno in ambito sinfonico, se pensiamo che il quartetto nella sua essenzialità esprime la completezza di un’orchestra.

Testo e foto di Claudio Rampini